Silvana

Il volume propone tredici opere restaurate, in gran parte provenienti dalle chiese poliziane, esposte presso il Museo Civico Pinacoteca Crociani. Accanto a due capolavori della collezione del museo, la "Sacra famiglia" del Sodoma e il "Ritratto di Francesco Saverio Cadetti" di François-Xavier Fabre, nella rassegna spiccano anche la "Madonna" duccesca della chiesa dei Servi e la straordinaria "Madonna col Bambino" di Luca Signorelli della chiesa di Santa Lucia. Opere che rappresentano un'autentica testimonianza del rapporto privilegiato del museo con il territorio e il segno dell'unione di sinergie per il recupero e la valorizzazione del nostro patrimonio artistico.

A duecento anni dalla sua inaugurazione, avvenuta nella stagione di carnevale 1809, e dopo oltre settant'anni di chiusura e abbandono, riapre a Bergamo il Teatro Sociale. Anima della vita comunitaria di Città Alta, questo teatro costituì per tutto l'Ottocento e fino agli anni venti del Novecento uno dei fulcri della vita sociale bergamasca, così come il Teatro Riccardi (poi Teatro Donizetti) lo fu per i borghi di Città Bassa. Il presente volume ripercorre per la prima volta sistematicamente - sulla base di un'indagine a tappeto delle fonti archivistiche e bibliografiche - la storia di questo suggestivo edificio e della sua attività: il suo ruolo di teatro della nobiltà, la rivalità con il Riccardi soprattutto sul campo dell'opera in musica, il coinvolgimento di Giovanni Simone Mayr, le crescenti difficoltà di quel mondo da sempre alle prese con problemi economici, organizzativi e gestionali. L'attenta cronistoria di tutti gli avvenimenti nati e ospitati al Sociale offre uno spaccato di storia del gusto e una ricca messe di informazioni sui cantanti, i compositori, gli impre-sari, gli attori che hanno dato vita al suo palcoscenico. Vita e opere, appunto: non però di un personaggio ma di un luogo, di uno spazio che completa la propria vita solo quando accoglie quella degli altri.

Metamorphosis documenta la trasformazione e il recupero di due importanti edifici storici del Trentino, ovvero il forte asburgico di Fortezza e la fabbrica Alumix di Bolzano Sud che, da silenti testimoni del tempo passato, sono ora luoghi privilegiati di scambio culturale, restituiti alla fruizione della comunità. Per illustrare queste metamorfosi, ovvero per evidenziare le fasi di trasformazione dal prima al dopo, nulla è più efficace del mezzo fotografico, come testimonia il reportage di Andrea Pozza qui pubblicato. Le immagini sono accompagnate dai testi di Josef March, Josef Urthaler, Christina Niederkofler, Waltraud Kofler Engl e Andreas Hapkemeyer.

La monografia rende pubblici gli esiti di una ricerca a tutto campo condotta sul complesso del cosiddetto Canopoleno a Sassari, cogliendone gli aspetti artistici, storico-documentari, geologici riguardo alla natura del terreno e ai materiali tradizionali locali, nonché quelli tecnici sui materiali e sui metodi costruttivi impiegati, sui restauri e, infine, gli aspetti critici sugli attuali problemi di conservazione e valorizzazione. Le ricerche sono state raccolte, patrocinate e condotte dall'allora Soprintendenza per i Beni Architettonici e il Paesaggio e per il Patrimonio Storico, Artistico ed Etnoantropologico per le Province di Sassari e Nuoro negli anni 2002-2008. Le analisi strumentali e le ricerche storiche hanno avuto, come esito finale, la ricostruzione delle vicende edificatorie e di restauro di uno degli edifici monumentali del centro storico della città, e la raccolta di informazioni relative al trattamento dei materiali tradizionali in opera, sottoposti a degrado a causa dell'umidità di risalita. Gli studi hanno coinvolto altresì le Università degli Studi di Sassari e di Cagliari per quanto riguarda la caratterizzazione del suolo e dei materiali storici e il Politecnico di Milano per le indagini sulle murature e il monitoraggio microclimatico, e per l'approfondimento dell'evoluzione storica a partire dall'insediamento dei Gesuiti in Sardegna.

Salvate dalla distruzione nel 1997, le antiche pompe funebri della città di Parigi, situate nel 19° distretto, sono oggetto di un ambizioso progetto. La città infatti ha come obiettivo quello di realizzare un luogo di cultura viva che corrisponda a una nuova generazione la cui base artistica e culturale si fondi costantemente sul dialogo fra le arti, fra le pratiche culturali e i territori. Non si tratta né di un teatro né di una scuola, ma di un luogo in cui tutte le discipline possano convivere e mostrare al pubblico le loro creazioni alla fine di ogni stagione. Il 104 ricopre un'area di 40.000 mq con un'arcata centrale aperta al pubblico - luogo di scambio fra gli artisti -, ma è anche un insieme di vari spazi dedicati al quartiere e all'attività culturale: polo di avvenimenti, sale per spettacoli, piattaforme di produzione artistica nonché locali destinati alla formazione.

In occasione della quarantottesima edizione del Salone del Mobile 2009, il PAC Padiglione d'Arte Contemporanea di Milano dedica una grande mostra al lavoro di Aldo Ballo e Marirosa Toscani Ballo e al loro studio, che ripercorre la storia del design italiano attraverso le immagini degli oggetti e dei protagonisti. Aldo Ballo e Marirosa Toscani Ballo hanno dato vita, negli anni cinquanta, allo studio fotografico Ballo, un punto di riferimento dei più importanti designer nel periodo più affascinante e vivace del design mondiale, grazie a un'attività incessante che, non interrottasi con la scomparsa di Aldo Ballo avvenuta nel 1994, prosegue tuttora. Il modo di fotografare dello studio Ballo ha creato una tendenza e tutta una scuola: prima di loro era infatti impensabile una fotografia che restituisse da sola l'idea, l'interpretazione dell'oggetto, eliminando il superfluo per cercare un'immagine pulita e insieme di grande impatto proprio nella sua semplicità. Una fotografia capace di "andare dentro gli oggetti", come diceva lo stesso Aldo. Il catalogo, con numerosi contributi critici e un ricchissimo apparato iconografico, offre il racconto di un lavoro, di un gruppo, di un laboratorio di idee, di una fucina di immagini che ha segnato la storia del design.

Il volume è il catalogo della mostra di Perugia (Rocca Paolina, 15 marzo-13 aprile 2009). "'Over Design Over' due parole gemelle equidistanti da una terza centrale a comporre una circolarità, un anello di testo con licenza di ripetizione infinita. Il primo 'over design' si associa alla traduzione letterale "circa il design", inteso come ciò che riguarda, ciò che attiene una materia da esplorare e identificare. Il secondo 'design over', che suona omologo e persuasivamente sovrapponibile a un 'game over', ha il senso di una necessaria uscita, di un finire che presupponga un nuovo inizio, di un concludere per muovere oltre." (Marco Rainò) "Se un oggetto è in grado di comunicare sensazioni che vanno oltre la bellezza, se cioè ha capacità di emozionare, spesso bisogna riconoscere che intervengono fattori che superano la dimensione puramente esteriore. Ed è proprio attorno a queste componenti più sotterranee, e spesso intangibili, che molti designer lavorano per dare respiro e unicità ai loro progetti. La mostra 'Over Design Over' analizza una serie di oggetti attraverso radiografie in luce emotiva, capaci di penetrare sotto gli strati superficiali dell'apparenza per svelarne l'anima più intima: quel patrimonio distintivo di significati che rende un oggetto un'opera unica e che fa del suo ideatore un vero designer." (Andrea Margaritelli)

A cent'anni dalla nascita a Rimini di Rene Gruau (1909-2004), destinato a essere protagonista sulla scena europea della moda, è stata concepita questa silloge di studi che analizzano il suo apporto sia alla storia dell'illustrazione e della pubblicità sia al mondo della moda. Testimone del Novecento, che ha vissuto quasi per intero, ha lasciato centinaia di tracce tra disegni e bozzetti da giustapporre e intrecciare per capire almeno un po' il rapporto di questo artista con la moda e con il suo tempo. Il mondo illustrato da Gruau era fatto di donne fatali e di uomini giovani e belli. Era un mondo a sé come peraltro lo è quello della moda, che vive un rapporto dialettico col resto della realtà in una miscela di concretezza e visionarietà. I saggi di Elisa Tosi Brandi, Alessandra Vaccari, Adelheid Rasche, Réjane Bargiel, Gianluca Lo Vetro, Bonizza Giordani Aragno, Francesca Iaconisi, Marco Urizzi e Joëlle Chariau approfondiscono alcuni temi della vita e del lavoro dell'artista: dalle vicende familiari ai suoi esordi, dal rapporto con le capitali della moda Parigi, Milano e Roma alla sua produzione, capace di diffondere, attraverso il tratto inconfondibile, il made in Italy nel mondo.

"Affiches" e bozzetti ideati dai più grandi artisti e illustratori del XX secolo, da Boccioni a de Chirico, da Casorati a Depero, da Cambellotti a Trampolini, da Sironi a Fontana, da Metlicovitz a Dudovich, da Hohenstein a Terzi e Villa, per celebrare l'eccellenza italiana riconosciuta a livello internazionale: l'arte, la moda e il vino. I materiali selezionati dal Massimo & Sonia Cirulli Archive e dalla Collezione Salce approfondiscono, attraverso una lettura iconografica suggestiva, i temi attorno ai quali si articolano i percorsi espositivi permanenti dei Musei Mazzucchelli: la Casa Museo Giammaria Mazzucchelli, il Museo del Vino e del Cavatappi, il Museo della Moda e del Costume e la Pinacoteca Giuseppe Alessandra, già noti al grande pubblico. Si ripercorre così la storia del manifesto italiano tra il 1897 e il 1957, definito già alla fine dell'Ottocento da Vittorio Pica come "umile forma d'arte [...] poiché il sole lo scolora, la pioggia l'inzuppa e lo macula, il vento lo lacera", ma perfettamente in linea con "l'intensità febbrile dell'esistenza vorticosa delle nostre grandi città".

In una Vienna culturalmente inarrivabile due società rivali producono i mobili per il nuovo secolo. La Gebrüder Thonet, ancora a conduzione familiare, e la Jacob & Josef Kohn traducono il nuovo linguaggio espressivo degli artisti e degli architetti austriaci. È in questa maniera che le idee di Koloman Moser, Josef Hoffmann, Gustav Siegel, Otto Wagner, Josef Urban, Otto Prutscher e Marcel Kammerer riescono ad arredare i nuovi locali del mondo moderno.

L'intento del progetto del nuovo Palazzo del Cinema di Venezia è quella di restituire, all'omonimo Festival, il lustro che gli contendono le analoghe rassegne cinematografiche di Cannes, Locarno e Berlino. L'opzione scelta dall'équipe di architetti 5+1 AA e Rudy Ricciotti, di reale rottura rispetto agli altri progetti concorrenti, è quella del vuoto e della finzione.

La seta è l'elemento che accomuna due espressioni artistiche, apparentemente così diverse tra loro, come le creazioni di Roberto Capucci e le armature realizzate nei secoli dalla casta dei guerrieri samurai. Quaranta abiti spettacolari provenienti dalla Fondazione Roberto Capucci rappresentano un panorama della vita creativa dell'artista-stilista: non un'antologia cronologica del suo lavoro, ma spunti per una lettura nuova di quel suo particolare legame con il materiale scelto per le sue opere artistiche: la seta. Straordinarie dimostrazioni d'inventiva, le armature giapponesi e la selva di elmi del Museo Stibbert dall'aspetto così insolito e feroce, e al tempo stesso elegante e suggestivo, rivelano invece la loro natura delicata: sottili lamine d'acciaio coperte di lacca, colorata o dorata, 'tessute' insieme da finissime trecce di seta. Pochi hanno saputo sfruttare come Capucci le particolari qualità di questo materiale, quella resistenza e duttilità che lo rendevano così essenziale anche per le armature giapponesi. Il filo conduttore della mostra è questo, il sottile e resistente filo della seta, che al Filatoio di Caraglio hanno saputo lavorare fin dal tardo Seicento. Due mondi favolosi che, per la prima volta, si trovano affiancati in un ambiente evocativo.

Fra le due guerre Parigi - la Ville-lumière -, appariva come lo scrigno perfetto di sontuosi spettacoli, che dal caf'conc (caffè concerto) al music-hall e all'operetta, affascinava il mondo intero. Le "Folies Bergères", il "Casino de Paris", "Mogador", Châtelet", la "Gaité lyrique" sono i nomi dei locali più celebri, strettamente legati a quegli anni di follie. Jenny Carré, da dietro le quinte, ne è stata una delle principali protagoniste, vestendo e abbigliando per la scena cantanti e attrici come Mistinguett, Maurice Chevallier, Joséphine Baker, Cécile Sorel e tante altre. Con circa 32.000 bozzetti di costumi e scenografie, Jenny Carré ha come incarnato la prodigiosa creatività dell'epoca. La mostra, accompagnata da questo catalogo, si propone di far scoprire questa artista, di cui vengono presentati circa duecento dei disegni più evocativi della sua produzione.

In tutta Europa e in America, tra la fine della prima guerra mondiale e l'inizio della seconda, il manifesto assume un ruolo preponderante: in Italia sì tratta di due decenni dominati dalle sperimentazioni delle avanguardie, in una varietà di linguaggi e di soluzioni che per la prima volta vanno incontro alle nuove esigenze della comunicazione di massa, della propaganda, della diffusione del mercato, di un'unificazione, insomma, del vivere e del gusto. In quest'ottica il manifesto diviene il veicolo principale - e prediletto sia dagli imprenditori sia dal pubblico - di una nuova immagine dell'Italia, che si vuole dinamica, veloce, arguta o, nel caso della grafica di regime, sicura e assertiva, fino alla violenza visiva. Un'Italia travagliata dai tragici errori della politica, ma capace di "modernità" e, anche nel confronto con altri Paesi occidentali, di un linguaggio figurativo audace e sperimentale. Campo di ricerca per i più grandi artisti del nostro Novecento, da Adolfo Wildt a Duilio Cambellotti, dai futuristi Balla, Depero, Tato e Prampolini a Mario Sironi e Lucio Fontana, il mondo del manifesto pubblicitario ha visto concentrarsi negli anni Venti e Trenta talenti riconosciuti: Leonetto Cappiello, Marcelle Dudovich, Gino Boccasile, Erberto Carboni, Bruno Munari, Sepo, Seneca, insieme a molti altri {più di sessanta gli artisti presentati), autori di prove grafiche ancora oggi sorprendenti per l'essenzialità del segno, gli arditi accostamenti cromatici, la varietà dei caratteri grafici.

"Insegnare l'architettura", trasmettere il sapere e l'esperienza per formare l'architetto che disegni e che costruisca la città di domani: sono stati gli obiettivi al centro dei venticinque anni di attività didattica svolta da Carlo Promis (1808-1873), docente di Architettura civile presso la Regia Università di Torino. A cogliere la sua eredità saranno duecentosessantasette architetti, tra i primi laureati che, formati secondo il "nuovo metodo" da lui proposto, hanno offerto un contributo di assoluto rilievo alla realizzazione di quel paesaggio urbano della Torino dell'Ottocento che ancora conosciamo. Un metodo che cerca nella conoscenza diretta delle testimonianze storiche, nell'esercizio costante del "disegno di architettura", nella reinterpretazione critica della tradizione, i principi di un nuovo linguaggio architettonico. Un'eredità che troverà continuità e che maturerà attraverso l'insegnamento che i suoi allievi sapranno impartire come primi docenti del Politecnico di Torino.

La composizione attuale del Palazzo Reale di Torino è frutto di un articolato sovrapporsi di componenti architettoniche e decorative realizzate a ragione delle necessità funzionali e degli aggiornamenti del gusto. La committenza sovrana - da Emanuele Filiberto sino a Vittorio Emanuele III - trova concreta espressione attraverso l'opera di ingegneri e architetti che lungo i quasi quattro secoli d'uso della residenza interpretano le volontà regie, sia annullando gli allestimenti precedenti, sia sovrapponendosi gli uni agli altri in uno stupefacente rimando di funzioni e di stili che compongono il fascino del vissuto di questa grande dimora.

Un volto scolpito, uno sguardo penetrante e inquietante, un corpo di quella magrezza che la moda imponeva in quegli anni. Questa è Giò, Giovanna Abrate, modella. Il contesto è quello del "Sessantotto", delle battaglie femministe, di una trasformazione profonda dei comportamenti personali e sociali. L'ambiente, quello della moda, è ovvio; ma è anche l'ambiente dell'arte in una Torino particolarmente vivace e creativa, dove un numero incredibile di gallerie pubbliche e private propongono il meglio dell'arte contemporanea. Giò colleziona abiti, che ora sono conservati presso il Museo Civico di Cuneo, dai cui depositi sono stati estratti per raccontare la piccola storia di una donna, delle sue passioni, del suo lavoro, della sua personalità. Giò è morta nel 1996, a cinquantadue anni.

Un libro di architettura, e quindi un libro di sogni e di sentimenti. L'ombelico è il luogo dove questi sogni nascono. Al suo interno si muovono, con apparente libertà, sentimento, corpo e tecnica, dialogando faticosamente e inaspettatamente tra loro. L'immagine sintetica che scopriamo in questo ombelico è un grande edificio collettivo, composizione di molti progetti di 5+1AA. Questo luogo collettivo è fatto di concatenazioni di spazi: spazi intermedi, spazi monumentali, spazi secondari, percorsi, meraviglie e banalità. Sette donne attraversano questo edificio collettivo, lo leggono e lo restituiscono secondo i loro sentimenti prevalenti, che sono dichiarazioni di intenti, di volontà, di schieramento contro il conformismo. Le parti del corpo sono i luoghi di questo sentire, sono gli elementi che mettono in contatto sentimenti e spazi architettonici: costruiti, progettati, immaginati, sognati. La tecnica è ciò che asseconda e accompagna il destino di questi progetti, il destino di essere costruiti, o di non esserlo. Il destino di felicità e di dolore. La tecnica contiene le regole, che vanno condivise per essere violate. L'architettura è un fatto del presente, non dell'attualità. L'architettura è un fatto collettivo, che vive di regole. Il progetto vive di regole. Sfidarle, violarle, contravvenirle, portarle fino al limite di rottura è la missione romantica dell'equipaggio del sottomarino 5+1AA.

L'obiettivo di questo libro è di mostrare ciò che non si legge mai nelle opere di architettura: gli errori da non commettere, qualche consiglio a dei giovani architetti che, come noi, hanno deciso di lanciarsi. Il racconto somiglia a un'agenda illustrata, in cui vengono scanditi i vari episodi del nostro percorso e di quello degli studi che hanno contribuito ad arricchire la nostra testimonianza. Si capisce fino a che punto la professione sta cambiando, di pari passo con i mezzi e le tecnologie a disposizione: la comunicazione acquista un ruolo di primo piano nello sviluppo di uno studio, come pure il lavoro in rete. Il libro parla del mestiere e della sua quotidianità, e ricorda che i progetti sono frutto delle idee, le idee delle esperienze e le esperienze sono storie di uomini e di donne.