Silvana

Edra propone dal 1987 progetti originali, nati da un'inedita unione di tradizione e innovazione, abilità manuali e alta tecnologia, in una ricerca continua di nuove forme, alte prestazioni e materiali innovativi. Arredi segnati da caratteristiche di avanguardia, oggetti-icona forniti di una identità specifica e quindi difficilmente imitabili e in grado di trasformarsi in "classici contemporanei". Edra inoltre pone da sempre una relazione tra gli oggetti che produce e l'architettura degli interni. Una relazione fatta di rispetto, ma anche della capacità di sorprendersi reciprocamente, evitando stereotipi e luoghi comuni. Una relazione che si è concretizzata in numerose occasioni abitative, dalle case agli alberghi, dagli uffici alle imbarcazioni, come testimonia questo volume in cui ciascun architetto ha utilizzato il design Edra in modo assolutamente individuale.

Il volume raccoglie i contributi di alcuni tra i maggiori studiosi e progettisti sul tema della salvaguardia dello spazio inte

Questo volume celebra i 30 anni di Stone Island, uno dei marchi di abbigliamento sportivo-informale per eccellenza. Stone Island - ideata dal designer italiano Massimo Osti nel 1982 e attualmente guidata dalla direzione di Carlo Rivetti - è famosa in tutto il mondo per i suoi capi, riconoscibili dalle raffinate finiture, dalla linea casual ed elegante, e soprattutto dai particolari materiali utilizzati, risultato della ricerca che la casa continuamente conduce nel campo tessile, con l'intento di ottenere fibre innovative e tessuti performanti, all'insegna dell'hi-tech. Il volume racconta, attraverso 307 fotografie di svariati modelli che vanno dagli anni ottanta a oggi - fra felpe, maglie, pantaloni e soprattutto giacche, fiore all'occhiello della produzione Stone Island - la storia e l'evoluzione del marchio, che è cresciuto fino a riunire intorno a sè un pubblico variegato e trasversale di estimatori. Il volume, introdotto da un testo di Carlo Rivetti, accoglie un saggio critico di Francesco Morace e le fotografie di Nick Griffiths.

Villa "La Saracena", edificata sulla costa tirrena di Santa Marinella, vicino a Roma, è una delle opere più liriche dell'architetto Luigi Moretti (1907-1973), e fra le tante "case dell'uomo" che egli progetta è certamente il capolavoro. Fu ideata e costruita fra il 1955 e il 1957, nel pieno della maturità professionale dell'architetto. Questa imponente monografia ne ricostruisce le vicende progettuali e di cantiere, dà conto delle letture critiche che l'hanno presentata al pubblico, si sofferma sullo studio della genesi dell'opera, ne dà infine un'interpretazione che ricorrendo alle categorie di "mediterraneità", "barocco" e "informale" la colloca a pieno titolo nel dibattito culturale degli anni Cinquanta. Con una prefazione di Bruno Reichlin.

Creatività, gusto e genialità: tre termini che nell'immaginario collettivo sono associati all'Italia, che questo volume, edito in occasione di una mostra al Grimaldi Forum di Montecarlo, vuole raccontare. L'intento è quello di celebrare il "made in Italy" attraverso un'accurata selezione di opere che presentano la complessità artistica, creativa ed estetica dell'Italia nel corso di centocinquant'anni dall'Unità, illustrando parallelamente come la creatività italiana abbia contribuito a modificare gusti ecostumi del vivere mondiale. Uno sguardo a tutto tondo che contempla i diversi settori dell'arte, dell'industria e tecnologia, della moda, del cinema, dell'architettura, dello stile di vita, della fotografia e della pubblicità. Dalle opere di Boccioni, Depero e Sant'Elia alle ceramiche di Giò Ponti, dalle fotografie di Carlo Mollino, Arturo Ghergo e Gianni Berengo Gardin ai manifesti pubblicitari firmati da Enrico Prampolini, Lucio Fontana, Armando Testa, Marcello Dudovich. E ancora i marchi contemporanei conosciuti in tutto il mondo - come le automobili Cisitalia e i motoscafi Riva, Borsalino e Max Mara, Campari e Ferrero, Buitoni e Alemagna -, e le grandi imprese che hanno fatto conoscere l'Italia al mondo, grazie ai nomi di Vittorio Sella, Luigi d'Aosta Duca degli Abruzzi, Italo Balbo o Fausto Coppi.

Il volume ripercorre la storia della Fiera Campionaria di Milano, un appuntamento nato nel 1920 - nel clima di operosità e di rinascita economica che si voleva respirare nella Milano del primo dopoguerra - e che ogni anno, per quindici giorni di primavera, trasformava la città nel centro del mondo, meta imperdibile tanto per i produttori quanto per i consumatori. La Fiera milanese si è mantenuta sempre a metà strada tra le Esposizioni Universali e le mostre di settore: un po' spettacolo, un po' commercio. Il più delle volte le due cose insieme: lo spettacolo del lavoro. Il volume, suddiviso in sette capitoli dedicati ciascuno a un decennio - dagli anni venti agli anni novanta del Novecento -, mette in luce il valore della manifestazione e il suo intimo legame con la città proprio attraverso le chiavi della comunicazione e del lavoro. Un ricco repertorio iconografico, costituito dalla presentazione di tutti i manifesti della Fiera, permetterà al lettore di percepire, se non di rivivere, gli anni trascorsi sotto le insegne della Campionaria, la cui atmosfera è fedelmente restituita dalla grafica delle immagini. Le testimonianze tratte dai materiali d'archivio della Fiera, contestualizzati nei saggi di apertura di ogni capitolo, consentono quindi di ricostruire la storia di ogni Fiera, specchio di una società in continuo cambiamento e di un'Italia che, attraverso gli anni della guerra, della ricostruzione e del boom economico, della crisi e della ripresa...

Agatha Ruiz de la Prada ed Elio Fiorucci sono due designer noti in tutto il mondo per l'originalità e la creatività riconosciute nella progettazione di abiti e accessori di moda ma anche per l'immaginario fantastico che domina i loro mondi ipercolorati. Vere icone della moda Pop e Neopop, Agatha Ruiz de la Prada ed Elio Fiorucci vengono omaggiati in questo volume attraverso la ricostruzione delle tappe salienti della loro carriera e dell'ambiente culturale di cui sono emblema, in un dialogo serrato tra estetica, musica, arte, design, fotografìa, comunicazione e moda.

Il volume, speculare alla mostra nata come itinerario iconografico per illustrare la Storia del paesaggio agrario italiano a cinquant'anni dalla sua pubblicazione, per effetto della persistente vitalità di Emilio Sereni si è progressivamente trasformato nello strumento utile a meglio comprenderne la ricchezza dell'opera, dell'archivio e della biblioteca. Gli autori, afferenti a diversi settori scientifici, sono concordi nel riconoscere l'attualità dello studioso che nella sua vita operosa ha saputo riunire non solo impegno politico e ricerca ma anche tante discipline (e relativi metodi di indagine) senza averne mai professato accademicamente una sola! Non è un caso se torniamo a interrogarci sull'eredità di Emilio Sereni a cinquant'anni dalla "Storia del paesaggio agrario italiano" (Laterza, 1961): in un momento storico in cui "il lungo addio" dell'agricoltura e della "civiltà contadina" (di cui il paesaggio è la parlante fisionomia) non ci appare più come il processo fatale e irreversibile di fronte al quale non resta che la rassegnazione. Il fallimento della "rivoluzione verde" a scala globale e i guasti dell'agroindustria a scala nazionale e regionale ci costringono a rileggere il passato secondo una linea che ci impone, non solo di recuperare i saperi locali di una cultura contadina che la storia sembrava aver condannato a un ruolo di subalternità se non di estinzione, ma anche di recuperare, in termini patrimoniali ed economici, i paesaggi rurali di interesse storico...

La vista delle volte di chiese e palazzi, di stazioni o mausolei, di scuderie o di musei che Anna Vivante intreccia con un rigore e un'insistenza degni della musica seriale, ha in sé qualcosa di conturbante. Come ogni serie basata sulla ripetizione, quest'insieme sollecita prepotentemente il nostro immaginario, trascendendo il mondo delle forme per ingenerare, suo malgrado, nuovi e stupefacenti significati. I secoli e gli stili vi si mescolano con una disinvoltura che si beffa delle nostre ificazioni e datazioni, rivelando quanto la nostra concezione del tempo estetico sia accademica, i, quali siamo, di un caleidoscopio capace di ibridare geneticamente le grandi correnti artistiche assato, e di farle rivaleggiare con quelle contemporanee.

Il cuore religioso e amministrativo dell'antico Ospedale Maggiore di Milano, la Ca' Granda, era costituito dalla chiesa parrocchiale dell'Annunciata e da una sequenza di saloni e di ambienti destinati a ospitare le riunioni del "Capitolo" che governava il nosocomio e le attività connesse. Il ruolo della nuova fabbrica è attestato dal coinvolgimento di Francesco Maria Richini e di artisti come il Guercino, il Volpino e Lasagna. Quello che era il centro decisionale e di rappresentanza di una delle più importanti istituzioni dell'antico Ducato, nel corso del Novecento si è trovato progressivamente relegato in una posizione marginale: il trasferimento delle funzioni assistenziali sostituite dall'insediamento dell'università, i danni inferri dalla guerra mondiale, una ricostruzione dimentica del passato e la trascuratezza degli anni seguenti hanno segnato profondamente i luoghi stessi, le strutture, il loro ricco apparato ornamentale e l'inestimabile contenuto. Il volume ripercorre la storia di questa porzione dell'Ospedale Maggiore, sino a oggi trascurata dalla letteratura, ne descrive i caratteri e le condizioni odierne, riassumendo al contempo gli esiti, e i quesiti rimasti aperti. Ciò nell'intenzione di restituire alla collettività la memoria di questi ambienti, e al fine di offrire un quadro circostanziato, e perciò consapevole, quale base ineludibile per le riflessioni sul loro possibile futuro.

Montagne, colline, parchi, fiumi, laghi, lidi marini, città d'arte di antichissima fondazione, stazioni termali, ville rinascimentali, fascinose rovine archeologiche e una solida tradizione di ospitalità rendono l'Italia, sin dalla fine dell'Ottocento, meta privilegiata di un nascente turismo nazionale e internazionale, esclusivo e colto. Per diffondere, presso gli stessi italiani e presso la clientela estera, tutte le attrattive del Bel Paese, ci si serviva di quelli che erano allora gli strumenti pubblicitari per eccellenza: manifesti, locandine, dépliant, riviste illustrate. Alla loro forza di comunicazione e penetrazione capillare sono affidate immagini luminose, ridenti, sempre elegantissime, tanto per scelte cromatiche che per soluzioni formali, e spesso affidate al pennello dei più grandi illustratori dell'epoca, da Duilio Cambellotti a Leonetto Cappiello, da Marcello Dudovich a Franz Lenhart, da Gino Boccasile a Mario Puppo. Il viaggio, uno dei "sogni" più a portata di mano e più affascinanti per l'uomo del Novecento, diventa così, per molti se non per tutti, un bisogno sociale e una finalmente accessibile parentesi di bellezza, 'loisirs', quiete, civiltà e cultura.

Questo volume dà conto della giornata di studi (6 maggio 2010) nella quale storici dell'arte, restauratori e fisici hanno presentato i risultati dell'ampia messe di lavori sull'opera di Cima da Conegliano ponendo le basi per le ricerche e la tutela future. La grande mostra monografica dedicata all'artista tenutasi a Palazzo Sarcinelli a Conegliano (2010) è stata anticipata da una vasta campagna di salvaguardia delle opere d'arte del maestro veneto che ha visto protagoniste soprintendenze e istituti di ricerca universitari. Le preliminari analisi scientifiche, svolte su gran parte del corpus pittorico di Cima, hanno portato a una più approfondita conoscenza della sua raffinatissima tecnica e all'effettuazione di numerosi interventi di restauro. Studi e interventi conservativi che hanno consentito di rileggere l'altissima arte di Cima da Conegliano, sottolineando le singolarità tecniche e i modus operandi di un artista che ha rappresentato il passaggio essenziale tra la tradizione veneziana del Quattrocento e le sperimentazioni di primo Cinquecento, tratto essenziale tra il mondo di Giovanni Bellini e quello di Giorgione, Tiziano e Sebastiano del Piombo.

Un viaggio nella vita "in miniatura" degli antichi. Un percorso alla scoperta delle "case delle anime", modelli architettonici di capanne, case, torri, granai, templi e altre costruzioni, rinvenute in una molteplicità di depositi funerari e votivi o in zone di abitato, in tutto il Bacino del Mediterraneo, in Mesopotamia, ma anche in Cina, in Thailandia, presso alcune culture dell'America Centrale dal VI millennio a.C. ai giorni nostri. Una storia affascinante che, attraverso oggetti curiosi emersi dagli scavi archeologici, racconta di progetti architettonici sognati o perduti, della dimensione domestica dei nostri antenati, delle loro aspettative nell'aldilà, del tentativo di controllare lo spazio fisico circostante attraverso la miniaturizzazione.

Il volume inaugura la pubblicazione dei "Quaderni dell'Accademia di Architettura, Mendrisio", un periodico annuale che intende testimoniare da vicino il dibattito che anima gli scambi culturali tra i docenti dell'Università della Svizzera italiana, in campo sia teorico sia progettuale. Il primo numero si concentra sul riuso del patrimonio architettonico, un tema - quello del recupero dell'eredità architettonica, e in particolare di quella del Moderno - che sta diventando centrale nei nuovi scenari progettuali. La prima sezione presenta alcuni saggi che dibattono i motivi che rendono opportuni e anzi urgenti tali interventi. Segue una sezione che raccoglie alcuni lavori nei quali si evidenziano le diverse strategie del rapporto tra nuova progettazione ed eredità storica. Chiude la pubblicazione un articolo che informa sul progetto di ricerca "Enciclopedia critica per il riuso e il restauro dell'architettura del XX secolo", a conferma di quanto il recupero del patrimonio costruito del XX secolo rappresenti ormai una sfida ineludibile per l'architettura.

Luigi Molinis (Udine, 1940) è un punto di riferimento per il mondo accademico e intellettuale friulano nell'ambito del design e della progettazione, ma la sua influenza va ben oltre i confini della regione in cui tuttora vive e lavora. Grazie a una straordinaria capacità espressiva versatile e originale, nel corso degli anni Molinis ha abbracciato diversi settori professionali, spaziando fra architettura, design, pittura, disegno, fumetto e poesia. In ognuna di queste esperienze ha raggiunto livelli altissimi fin dalla sua prima creazione, la serie di televisori realizzati nel 1970 per Sèleco, caratterizzati da forme morbide e dai colori intensi, ammiccanti al casco dei cosmonauti - icone dell'immaginario collettivo - che avrebbero fatto tramontare per sempre l'usanza di appoggiarci sopra i centrini ricamati. Il volume, dal taglio monografico, costituisce un'occasione per conoscere la sua vasta produzione e coglierne le profonde connessioni interne ed è un'opportunità per presentare lo spessore culturale e la visionarietà di questo progettista.

Torino è la città italiana dove Pier Luigi Nervi (Sondrio, 21 giugno 1891 Roma, 9 gennaio 1979) progetta e costruisce due dei suoi edifici più importanti e conósciuti: i saloni per il complesso espositivo di Torino Esposizioni e il Palazzo del Lavoro per le celebrazioni di Italia '61, in collaborazione con architetti di primo piano del panorama nazionale. Accanto a queste opere, nel capoluogo piemontese e nei suoi dintorni, Nervi - di volta in volta progettista, imprenditore, consulente - disegna e/o realizza, dopo la seconda guerra mondiale, anche una serie notevole di opere ingiustamente ritenute minori e talvolta ignote anche agli specialisti. Proprio a Torino, inoltre, è possibile ricondurre in massima parte quella cultura politecnica che ha determinato l'essenza stessa del cosiddetto "sistema Nervi", inteso come sperimentazione progettuale e pratica costruttiva. La serie di studi e ricerche intitolata Pier Luigi Nervi. Architettura come Sfida, avviata dal Pier Luigi Nervi Research and Knowledge Management Project, si arricchisce così di un nuovo capitolo. Questo volume, curato da Sergio Pace, accompagna la mostra omonima e approfondisce alcuni temi cruciali nella biografia professionale e intellettuale dell'ingegnere italiano più famoso del XX secolo.

Alle soglie dei cinquant'anni della riforma liturgica scaturita dal Concilio Vaticano II è d'obbligo ricostruire un quadro completo degli interventi messi in atto per innovare lo spazio celebrativo dei più significativi edifici per il culto cristiano. Il lavoro sulle cattedrali della Lombardia, condensato in questa pubblicazione, costituisce una nuova tappa della ricerca sullo stato dell.adeguamento liturgico delle chiese madri italiane; è qui censita e restituita, graficamente e per immagini, l'opera di presbiteri, artisti e progettisti che si sono confrontati con l'eminenza secolare delle cattedrali di Milano, Bergamo, Brescia, Como, Crema, Cremona, Lodi, Mantova, Pavia e Vigevano. Una serie di saggi di noti studiosi introduce e accompagna la documentazione, esaminando i legami dell.edificio-chiesa con il suo contesto urbano e sociale ed esplorando il rapporto tra celebrazione, spazio, arte. Emerge così la testimonianza della cattedrale come monumento vivo, appartenente alla comunità che in essa si raccoglie e si trasforma, venendone a sua volta ispirata e orientata.